Es probablemente la película que más características ha reunido para convertirse en película de culto en los últimos veinte años, y emparejada con Los Hijos de Los Hombres como la mejor película de lo que llevamos de década. De nuevo suena bastante concluyente, pero es que La Fuente de la Vida es mucho más que una simple película: es un canto a la vida, a la muerte, al amor, a la agonía y a todo lo que esencialmente nos hace humanos. Como toda película de culto que se precie, trasciende mucho más allá de los fotogramas de su celuloide, invita al espectador a interpretar e involucrarse en su argumento utilizando para ello sus propias experiencias vitales, de una manera que nunca antes había yo visto en una pantalla. ¿Características antes mencionadas? Pues para empezar su director, Darren Aronofsky, un director con una capacidad visual única que cuenta sus películas por peliculones: Pi y Requiem por un Sueño. Pero es en esta su tercera película donde ha echado toda su abundante y apabullante imaginiería visual al servicio de una historia tan simple como eterna, preguntándose por el camino e intentando dar respuesta a la PREGUNTA que lleva rondando la cabeza del ser humano desde los albores de la existencia: el sentido de la vida. Unimos esto a un considerable fracaso en taquilla (perjudicado por una pobre distribución) que la hecho pasar casi desapercibida para el gran público, unos actores en estado de gracia, una concepción arriesgadísima, una dirección artística y un diseño de producción únicos, una dirección en estado de gracia, una fotografía sublime, una banda sonora inolvidable y mágnifica...lo mezclamos todo, y tenemos la típica película que dentro de 20 años será un referente, pero que hoy ni dios conoce. Con todos vosotros, The Fountain

Tommy Creo (Hugh Jackman) es un científico empeñado en salvar la vida de su mujer Lizzi (Rachel Weisz), y al cual seguiremos en un trayecto vital de cientos de años para conseguirlo, mientras a la vez intenta poner fin al inconcluso libro que su mujer estaba escribiendo, cuyo personaje principal busca exactamente lo mismo que busca Tommy. A muy grandes rasgos esta es la trama de La fuente de la Vida, y gracias a ella Aranofsky nos sumerge en un universo metafísico donde pensamiento, imagen, teorías y belleza se unen para darle al espectador todo un espectáculo de cine sesudo pero sin llegar a ser gafapastoso, donde por encima de todo el poderío visual, se intenta seguir la máxima que el amor es la gran fuerza que mueve el universo, la gran fuerza que hace a los hombres evolucionar, crecer y seguir siempre hacia adelante. Evidentemente, mucho de lo que propone The Fountain depende del espectador, es una película que reta, que indaga y que busca la complicidad de un espectador que debe verla con la mente y el corazón abiertos. Por eso la primera crítica y la más incisiva que se ha hecho a The Fountain es la de espectáculo visual vacio, unos bonitos fuegos de artificio pero que no tienen el menor sentido. Aún no siendo el guión todo lo redondo que podría ser y tener un final un tanto precipitado, sobre todo en las motivaciones del Tommy del futuro, creo que The Fountain es mucho más que un director empeñado en mostrarnos planos de bella factura, pero claro, si sobre gustos nunca hay nada escrito, con esta película los gustos se quedan sobrepasados a las primeras de cambio necesitando que el espectador se involucre de una manera mucho más primaria que al ver cualquier otro tipo de cine. Pero el contenido está ahí, de eso no cabe duda.

Mención aparte merece el señor Hugh Jackman. Este hombre sigue demostrando película a película lo buen actor que es, rozando la perfección en varias escenas que hacen que se te haga un nudo marinero en el estómago. Si en The Prestige ya lo bordó, aquí alcanza cotas sublimes, muy bien acompañado de la siempre excelente Rachel Weisz. Y la banda sonora de Clint Mansell es de lo mejorcito que he escuchado ultimamente, si existen los scores perfectos, este se queda a pocos pasos.

Resumiendo, la odiareís u os encantará. Pero una cosa es segura, no creo que a nadie deje indiferente. Y solo por la impresionante puesta en escena del señor Aranofsky ya merece ser vista.

Una de las cosas que hace crecer mi orgulloso ego friki es que YO VÍ ZOOLANDER EN UN CINE. Sí, yo pagué una entrada (bueno, dos, previo engaño a mi fémina acompañante) para ver esta película en el cine. Era una época en la que Ben Stiller no gozaba de la popularidad que tiene ahora, acababa de dar un pequeño pelotazo por Los Padres de Ella y era sobre todo recordado por Algo pasa con Mary. Esta era su tercera película como director (Reality Bites y la infravalorada Un Loco a Domicilio), además de ser coguionista y reservarse el papel protagonista. Con todos ustedes, el tres veces modelo del año de los Fashion Awards, Derek Zoolander...

Zoolander es un clásico. Para muchos no tiene ni puta gracia, para muchos otros es una película de culto. Es el equivalente en los años 2000 a Las aventuras de Ford Fairlane en los 90, película de cachondeo alzada a los altares del cultismo mediante el boca a boca y la continúa utilización de chascarrillos de la película en la vida cotidiana ("Es lo más" "¿No sabes que estoy crazy?"...)

El reinado en la pasarela del modelo Derek Zoolander (Ben Stiller) se vé amenazado por la incursión del joven Hansel (Owen Wilson) que le arrebata el premio al modelo del año en una vergonzosa ceremonia, lo que ocasiona que Zoolander sea elegido por el diseñador Mugatu (Will Ferrell) para encabezar un complot que tiene como objetivo asesinar al primer ministro de Malaysia. Tal disparato guión es una excusa para una sucesión de parodias del mundo de la moda y belleza, cameos imposibles (David Bowie, Billy Zane, Paris Hilton, Tom Ford, Winona Ryder, David Duchovny...), escenas absurdas y un sinfin de estúpideces más. Una puta delicia, vamos. Aparte de una (en ocasiones) satisfactoria sátira sobre el mundo fashion que nos rodea. La película, si miramos los valores netamente cinematográficos no vale mucho, aunque destaca la correcta dirección de Stiller y un montaje muy divertido. Pero por encima de todo está...

Mugatu. Will Ferrel. El puto amo. Uno de los mejores personajes que la comedía ha creado. Un pasadísimo diseñador de moda, parodía extrema de tipos como Karl Liegerfeld (o como coño se escriba), un malo genialmente interpretado por un desatado Will Ferrell que se convierte en la estrella de la función, y al final, en el único personaje cuerdo que hay en la película (llegando a empatizar con el espectador en la ya mítica frase "¿Pero no os daís cuenta de que es la misma mirada?"). Aparte del genial personaje de Ferrell, destaca también el compinche habitual de Stiller, Owen Wilson en el papel de Hansel, el modelo que pone en peligro el reinado de Derek Zoolander. Suya es la mítica frase: "Sting es otro de mis heroes. Las canciones que ha compuesto yo nunca las he escuchado, pero solo por el hecho de haberlas compuesto me inspira respeto". Toda una declaración de intenciones.

Resumiendo: una de mis pelis favoritas, y pese a quien le pese, una película de culto a estas alturas. La mejor opción para ver en grupo acompañado de buenas birras (a ser posible sin mariconadas de toques de manzana o al té con limón), recomendable organizar una buena timba en keli con singstar, alcohol, Pro y Zoolander (o en su defecto, Cuestión de Pelotas). Satisfacción garantizada. Y de regalo, un video de la peli. De nada.

Hay películas que crean tendencia, que suponen un aire nuevo a la cada vez más marchita actualidad cinematográfica, que revitalizan generos con nuevos brios, que crean un estilo...Todo esto y más es lo que supuso la irrupción del asesino Jason Bourne en las pantallas. Salido de las novelas de Robert Lundum (que no tengo el gusto pero caeran en breve, y por lo que sé, se parecen a las pelis lo que un huevo a una castaña), Jason Bourne es un asesino de una agencia secreta que en el trascurso de una misión pierde la memoria. Después de esto, se produce una huida hacia adelante, en la cual el propio Bourne se convierte en el objetivo numero uno de la agencia para la que trabajaba. Jason Bourne llegó cuando las pelis de espias, con el Bond de Brosnan a la cabeza, estaban de capa caida, y le dió un revolcón tal al género que la nueva peli de Bond (Casino Royale) copia descaradamente principios y actitudes de las pelis de Bourne.

Dirigida por Doug Liman, El Caso Bourne se enfrentó desde el principio a lo común. Donde en las pelis de espias se optaba por lo fantástico y desenfrenado, Bourne quiso tomar un aire realista, tanto en el concepto como en la forma de realizar la película. Donde en las pelis de acción se optaba por un actor acostumbrado al género, en Bourne se optó por...Matt Damon. Lo que en un principio parecia un error de casting monumental, sirvió para que el Tito Damon se quitara de una vez por todas el aspecto de bisoñez y demostrara que es un actor todoterreno, uno de los mejores de su generación con un ojo increible a la hora de elegir papeles. No hay dudas, Jason Bourne es Matt Damon (Richard "Pájaro Espino" Chamberlein ya lo había interpretado previamente). Doug Liman intentó ajustarse a la realidad en todo lo que pudo, tanto en las escenas de acción como en el uso de la cámara, y consiguió crear un estilo que pegaba perfectamente con el tono de la película. El señorito Bourne reparte estopa de una manera que me rio yo de Matrix, y hay una persecución a bordo de un mini a la altura de las grandes del cine. Entre medias, una historia de traiciones y asesinos (Clive Owen entre ellos) que sin ser la repanocha, es inmersiva y a ratos fascinante. En fin, una excelente presentación del personaje, una gran película de acción, de las que se pueden decir, "inteligentes", con un estilo visual frio, duro y sin concesiones. Pero lo mejor estaba por llegar...

La segunda parte de las aventuras de Bourne, recayó esta vez en el director Paul Greengrass (Bloody Sunday, United 93). Greengrass continuó las directrices que había tomado Liman (aquí productor ejecutivo) pero imponiendo su estilo y sello personal. El Mito de Bourne es muchísimo más organica que su antecesora, menos fria y por ello más impactante. Casi toda la película está rodada cámara en mano (estilo documental, el cual Greengrass maneja a la perfeccion), y con un montaje vertiginoso, pero a la vez con el sentido narrativo como mantra, y ningún plano, por corto que sea, sobra. El Mito de Bourne se convierte en uno de esos pocos casos donde la secuela es mejor que su primera parte. Con un guión muchísimo más solido y complejo, con unos secundarios robando planos al protagonista, con un Matt Damon en modo "más cabrón y despiadado" y a la vez, muchísimo más fragil, con escenas que se clavan en la retina (la sala de aduanas, la persecucion en Moscú, la redención final...), la segunda parte es un armario de dos cuerpos perfectamente montado que supera en dimensión en todos los aspectos a su predecesora. Y parece que lo mejor está aún por llegar...

Este verano se estrena la tercera parte, The Bourne Ultimatum, dirigida de nuevo por Greengrass y que ha sido rodada en parte en España (hay una escena importante filmada en las inmediaciones de la estación de Atocha), y que puede suponer el broche final a la saga para convertirse en una trilogia de la hostia. Por ahora ir abriendo boca con las que ya hay rodadas, cine de acción inteligente del bueno que se ha convertido en referente (que hubiera sido de Casino Royale sin Bourne ¿verdad Bond?). Os dejo con una de las señas de identidad de las películas, el Extreme Ways de Moby, la canción que cierra los titulos de crédito de ambas películas.

Cuando ví esta peli una cosa me quedó clara, va a hacer espeleología su puta madre. Y no es porque tenga miedo a que unos malditos Gollums ciegos con mala hostia y mucha hambre me coman los sesos mientras clavo mi piolet (¿se dice así?) en una roca, sino porque si la película es claustrofóbica de cojones, no me puedo imaginar lo que debe ser estar entre cuatro rocas atrapado en la vida real. Entremos en materia: un grupo de amigas deciden pasar un finde explorando una cueva, como terapía para que una de ellas supere la muerte de su familía tiempo atras, mas o menos.

La película se divide en dos partes muy bien diferenciadas: una primera parte donde se presentan los personajes protagonistas y donde las acompañamos como si el espectador fuera uno más en la exploración de la cueva. En esta parte pues tendremos raciones varias de "por aquí no se sale" "esto es muy estrecho" "hostias me he caido y me he roto la pierna" "en esta cueva huele a muerto" y cosas similares. Todo muy jodidamente angustioso, y con una fotografía y ambientación espectacular.

La segunda parte del film corresponde a la chicha. En la cueva resulta que viven una especie de homínidos con bastante hambre y mala leche. Pues eso, ya tenemos nuestra ración de sustos y gore. Pero como ocurre en Amanacer de los Muertos, no todo es una simple sucesión de visceras y sangre sin más, todo la violencia está justificada y no suele impresionar bastante (hasta el segundo visionado, que es cuando realmente te das cuenta de que la peli es muy fuerte) debido a que estás totalmente sumergido en la acción y pasandolo mal con los personajes. Tenemos un buen guión detrás (con sorpresa incluida) y un buen tratamiento de los personajes, que son los verdaderos triunfos de la película, asi como una dirección perfecta del británico Neil Marshall (a descubrir su opera prima Dog Soldiers) y una música de David Julyan que, simplemente, quita la respiración.

En resumen un peliculón como la copa de un abeto, si te gusta pasarlo mal delante de una peli, te aseguro que con esta lo pasas fatal. Y en la memoria, el desasogante último plano del film, con la música apoderandose de la pantalla y lanzándote un mensaje subliminal a la cabeza: Lo que acabas de ver es canela fina nene.

En Francia fue peor, la llamaron Los Dientes de la Muerte... 

¿Qué es Tiburon? Tiburón es el comienzo del cine moderno tal como lo entendemos hoy en día, así de sencillo jóvenes y jóvenas. Tiburón es la tercera película de Steven Spielberg y su primer gran éxito de taquilla. Tiburón es una jodida obra maestra, una de mis cinco películas favoritas de todos los tiempos. Tiburón es el Everest de las películas con bicho asesino. Y es, por supuesto, mucho más que eso; prueba de ello es que 30 años después sigue tan vigente como el día del estreno, y ha envejecido genial, como el buen vino. La historia es muy sencilla: en un pueblecito isleño llamado Amity están sucediéndose los ataques de un gran tiburón blanco. El alcalde y los concejales, viendo que la temporada de verano se va al garete, intentan tapar el asunto mientras el sheriff (Schneider), un biólogo (Dreyfuss) y un capitan pasado de tuerca (Shaw) unirán sus fuerzas para capturarlo.

Otro de los triunfos de la película es la inmortal banda sonora de John Williams, participe para mi de al menos el 25 % del éxito de la película. En Tiburón, la música no solo sirve de mero acompañamiento, sino también es utilizada como un condicionamiento pauloviano: cuando suena el mítico tum tum tum tumtumtum, este nos señala la presencia del jodido escualo y posiblemente un ataque. Pero a veces, el tiburón aparece sin que la musica lo anuncie, lo cual provoca un buen respingo en el público, acostumbrado a escuchar el soniquete cada vez que el tiburón se acerca. Magnifico, creo que antes jamás en el cine se había utilizado la música de esta manera.

Y la historía es esta. Una epidemia se ha desatado en el mundo, una epidemia que no solo mata, sino que transforma las victimas en zombis ansiosos de carne humana y sangre. A Anna (Sarah Polley) todo esto le pilla de sopetón, y sin comerlo ni beberlo, se encuentra con un grupo de supervivientes que se dirigen a un centro comercial a refugiarse. Porque una simple mordedura de estos seres es capaz de matarte...y no es eso lo peor, claro. Uno de los puntos fuertes de la película son los personajes, es imposible no encariñarte con ellos y no preocuparte por su incierto futuro. Y otro es el realismo, es decir, dentro de lo fantástico que es estar encerrado en el xanadú con miles de zombis deseando devorarte, los personajes actuan de una manera consecuente y con sentido común. Cómo hariamos cualquier hijo de vecino en su situación. Y visualmente es la caña; el inicio debería estar en algún jodido libro para que la gente aprendiera cómo se debe empezar una película.

Esta película fue el debut en la dirección de Zack Snyder, y vaya debut amigos. El chaval no solo sabe como poner la cámara para conseguir planos cojonudos, también sabe narrar de una forma estupenda (esta película es un ejercicio de narración perfecto), y sabe crear tensión y suspense con muy poquito. Futuro muy prometedor. Y su próximo trabajo es la adaptación del comic 300 de Frank Miller, y por lo que he visto promete. Y como el tio no se corta, habrá sangre persa a granel, seguro...

Comienzo aquí una serie de post dedicados a esas malditas películas que deberían ser de visión obligada en las escuelas, una serie de cipotones de películas que pasarán a la historia del septimo arte como lo que son, unas putas obras maestras. El uso de tacos y expresiones malsonantes se verán exponencialmente aumentadas en estos hilos, en los que la elección de las películas que incluyo evidentemente está marcada por una excesiva subjetividad: la mia. Esto quiere decir que probablemente en algunos casos las virtudes de la cinta en cuestión solo las vea yo, vuestro querido servidor. Después de esta breve introducción os presento:

Heat es un cañón de película. Por tantos motivos que no sé por cual empezar. Por Michael Mann (El Dilema, Alí, Colateral...), el director, por ejemplo. Es uno de los mejores directores que hay en la actualidad. Rueda como dios, escribe guiones como jesucristo y tiene un sentido de la narración como el espíritu santo. Y señores y señoritas, madre mia que manera de grabar tiroteos. Creo que es probablemente el mejor director de escenas de acción de los últimos tiempos. La escena de la huida del atraco del banco pone los pelos de punta. El día que tenga un sistema home cinema en condiciones, esa escena sera la presentación de mi equipo a los vecinos.

Evidentemente Heat destaca también por su elenco protagonista: Al Pacino es Vincent Hanna, policia en modo enfarlopado que persigue a Neil McCauley, aka Robert DeNiro, ladrón con moral y mala leche. El duelo interpretativo entre estos dos colosos del cine es algo grandioso, a pesar de que practicamente no comparten plano en toda la película salvo al final. El dialogo de la cafetería del aeropuerto es jodidamente memorable. Pero no solo destacan los protagonistas, Heat cuenta quizás con uno de los mejores repartos de los últimos tiempos, a saber: Val Kilmer, Ashley Judd, John Voight, Natalie Portman, Tom Sizemore y un largo etcetera de caras conocidas.

En fin nenes, 2 horas y 40 minutos de puro espéctaculo visual, con un guión que te agarra de los cojoncillos desde el minuto 5 y ya no te suelta, con unas actuaciones impresionantes (Pacino y DeNiro, bordando, como hace ya tiempo que no hacen) y con una dirección que no da respiro. Heat es el jamón ibérico de las películas de policias y ladrones, un bocado sabroso sabroso.